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SONGFABLE · 1980

Vienna

ULTRAVOX · 1980 · VIENNA, AUSTRIA

TL;DR: "Vienna" no es una canción sobre la capital austriaca: es la crónica de un amorío fugaz que se evapora como un sueño, envuelta en sintetizadores fúnebres y nostalgia de cine mudo. Y, en una de las grandes ironías del pop británico, nunca llegó al número uno por culpa de una canción cómica sobre un hombre con un órgano eléctrico.
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El número dos más famoso de la historia británica

Hay canciones que ganan perdiendo. En febrero de 1981, "Vienna" de Ultravox se quedó atascada en el puesto número dos de las listas británicas durante cuatro semanas consecutivas. ¿Quién le impedía llegar a la cima? Primero John Lennon, recién asesinado, con "Woman" — algo comprensible, casi solemne. Pero después llegó lo impensable: "Shaddap You Face" de Joe Dolce, una parodia cómica de un inmigrante italiano cantada con acento exagerado. Una balada sintética de cuatro minutos y medio, oscura, ambiciosa, casi operística, fue bloqueada del número uno por un chiste musical.

Esa herida se convirtió en leyenda. Décadas después, los oyentes británicos votaron a "Vienna" como "la mejor canción que nunca llegó al número uno", y la BBC le dedicó especiales enteros a esa injusticia. Es algo que cualquier fan latinoamericano entiende perfectamente: a veces la canción que pierde el concurso es la que termina definiendo una época. "Vienna" no necesitó el primer puesto. Se convirtió en el himno fundacional del new romantic, el movimiento que vistió de gala a la música electrónica y abrió la puerta a Depeche Mode, Duran Duran y toda la ola synthpop que décadas después seguiría sonando en las fiestas de los ochenta de Ciudad de México a Buenos Aires.

Midge Ure y la resurrección de una banda que ya estaba muerta

Para entender "Vienna" hay que entender que Ultravox, en 1979, era prácticamente un cadáver. La banda londinense había grabado tres discos con su vocalista original, John Foxx, mezclando punk arty con experimentos electrónicos. Eran respetados por la crítica, ignorados por el público, y su disquera los soltó sin ceremonia. Foxx se fue a una carrera solista, y los tres miembros restantes —Billy Currie, Chris Cross y Warren Cann— se quedaron mirando el abismo.

Entonces apareció Midge Ure, un escocés de Glasgow con un currículum extrañísimo: había sido ídolo adolescente en la banda pop Slik, había tocado con los Rich Kids junto a un ex Sex Pistol, y hasta había colaborado con Thin Lizzy. Ure no era el candidato obvio para liderar una banda de vanguardia electrónica, pero traía algo que a Ultravox le faltaba: instinto melódico de francotirador y una ambición enorme. Con él al frente, la banda grabó en 1980 el álbum Vienna, producido por el alemán Conny Plank, el legendario ingeniero detrás de Kraftwerk y buena parte del krautrock.

La canción que da título al disco nació, según cuenta el propio Ure, de una conversación casi banal. Se dice que un antiguo manager le comentó que las grandes canciones épicas siempre tenían una frase que se quedaba grabada, y mencionó como ejemplo una vieja canción sesentera donde el protagonista repetía que cierto recuerdo no significaba nada para él. Ure tomó esa semilla —la idea de negar con palabras lo que el corazón grita— y construyó alrededor una atmósfera completa. Primero existió la frase central, luego la música, y al final la ciudad: Viena llegó casi al último, como escenario perfecto para un drama que necesitaba decadencia imperial, niebla y faroles.

Hay un detalle delicioso para los fans del cine: la canción y su estética beben directamente de El tercer hombre, el clásico de 1949 filmado en una Viena de posguerra, en ruinas, llena de sombras y cítaras. Ure ha reconocido esa influencia, y el famoso video de la canción —dirigido por Russell Mulcahy, quien después haría Highlander— recrea ese mundo de gabardinas, escaleras barrocas y persecuciones en blanco y negro. Curiosamente, gran parte del video ni siquiera se filmó en Viena: se rodó en Londres, con apenas unas tomas de exteriores vienesas añadidas después. El glamour, como la historia que cuenta la canción, era en buena parte una ilusión construida.

Lo que realmente cuenta la canción: un amor que se niega a sí mismo

Aquí está el corazón del asunto, y es más amargo de lo que el título sugiere. "Vienna" narra, en esencia, un romance de viaje: dos personas que se encuentran en una ciudad extranjera, viven algo intenso y luminoso —descrito en la letra con imágenes de vapor frío, luces de noche, una figura que aparece y desaparece como en una película antigua—, y luego se separan sabiendo que aquello no puede sobrevivir fuera de ese paréntesis. El protagonista evoca la escena con la precisión de quien la ha repasado mil veces: el eco de los pasos, la emoción del momento, el rostro que se desvanece.

Y entonces llega el giro que hace grande a la canción: el estribillo es una negación. El narrador insiste, una y otra vez, en que aquello no significó nada para él. Pero la música lo traiciona por completo. Si de verdad no significara nada, no habría una balada de cuatro minutos y medio construida como un réquiem, con piano fúnebre, caja de ritmos que late como un corazón nervioso y un solo de violín —tocado por Billy Currie— que llora lo que la voz no se permite llorar. La frase "esto no significa nada" repetida con semejante grandilocuencia significa, obviamente, todo. Es la mentira más transparente del pop: un hombre que se dice a sí mismo que ya lo superó, mientras erige una catedral sonora al recuerdo.

Esa estructura emocional —negar el dolor con tanta insistencia que la negación se vuelve confesión— es profundamente universal, y cualquiera que haya crecido escuchando boleros la reconocerá de inmediato. Es el mismo mecanismo de los grandes despechos de la canción latinoamericana: el que jura que ya no le importa, el que brinda por el olvido mientras se le quiebra la voz. "Vienna" es, en el fondo, un bolero de despecho vestido de esmoquin centroeuropeo y cantado sobre sintetizadores alemanes. La nieve de Viena y la cantina de José Alfredo Jiménez quedan más cerca de lo que parece.

Musicalmente, la canción fue una apuesta absurda para 1980: arranca con un latido electrónico casi inaudible, tarda una eternidad en presentar la voz, no tiene un coro pegajoso convencional, y en el puente explota en un clímax de violín y piano que suena más a Schubert que a la radio pop. La disquera, Chrysalis, reportedly no quería lanzarla como sencillo: era demasiado larga, demasiado lenta, demasiado rara. La banda se plantó, el público le dio la razón, y la canción rara terminó siendo la más recordada de toda su carrera.

El himno de los nuevos románticos

"Vienna" llegó en el momento exacto. En el Londres de 1980-1981, los hijos del punk estaban cansados de la mugre y la rabia; querían glamour, maquillaje, hombreras y melancolía europea. En clubes como el Blitz nació el movimiento new romantic, con figuras como Steve Strange y bandas como Visage —en la que, no por casualidad, también tocaban Midge Ure y Billy Currie—. "Vienna" les dio su himno: una canción que sonaba a viejo continente, a cabaret de entreguerras, a tristeza elegante. Vestirse para escucharla era casi obligatorio.

El legado se ramificó rápido. El álbum Vienna devolvió a Ultravox al mapa y abrió una racha de éxitos —"All Stood Still", "The Voice", "Dancing with Tears in My Eyes"— que duró toda la primera mitad de los ochenta. Midge Ure, además, terminaría coescribiendo en 1984 "Do They Know It's Christmas?" con Bob Geldof y coorganizando Live Aid, el concierto benéfico más grande de la historia. El hombre que cantaba sobre un amor vienés que no significaba nada acabó moviendo millones para combatir la hambruna en Etiopía.

Para el público de México y América Latina, "Vienna" llegó por las rendijas: programas de videos, radios universitarias, discotecas de los ochenta que la ponían en el momento lento de la noche. Nunca fue un éxito masivo en la región como lo serían Depeche Mode o The Cure —bandas que le deben muchísimo a este sonido—, pero se volvió una contraseña entre conocedores. En los ochenta mexicanos, cuando la música en inglés se filtraba con cuentagotas y cada disco importado era un tesoro, Ultravox era de esas bandas que separaban al fan casual del verdadero coleccionista. Y su ADN se escucha en todo el rock en español sintético que vino después: desde los teclados dramáticos de Soda Stereo en su etapa más new wave hasta la teatralidad electrónica de bandas como Caifanes en sus momentos más atmosféricos. El camino que abrieron Ultravox y sus contemporáneos fue el mismo que recorrió el rock latino cuando decidió que los sintetizadores también podían tener alma.

Por qué sigue doliendo (y gustando) hoy

Cuarenta y tantos años después, "Vienna" sigue funcionando porque su tema es eterno: todos hemos tenido un recuerdo que insistimos en minimizar. El amor de vacaciones, la persona del intercambio estudiantil, aquella noche en otra ciudad que juramos que fue solo eso, una noche. La canción entiende algo que la psicología confirma: lo que más negamos es lo que más nos define. Cada vez que alguien dice "ya lo superé" con demasiado énfasis, está cantando "Vienna" sin saberlo.

También sobrevive por razones puramente sonoras. En la era del revival synthwave —series como Stranger Things, artistas como The Weeknd saqueando los ochenta con cariño—, "Vienna" suena menos anticuada que nunca. Su producción de Conny Plank, con ese equilibrio entre máquinas frías y violín ardiente, es exactamente la mezcla de nostalgia y futurismo que el oído contemporáneo busca. Y su atrevimiento formal —una canción lenta, larga y sin concesiones que se volvió clásico popular— es un recordatorio útil en tiempos de canciones diseñadas para los primeros quince segundos de TikTok: a veces el público premia justamente lo que no se le parece a nada.

Hay algo más, quizá lo más conmovedor. "Vienna" es una canción sobre la distancia entre lo que vivimos y lo que nos permitimos admitir que vivimos. En un mundo donde todos editamos nuestra vida para mostrarla, donde el desamor se procesa con indirectas en redes sociales, este himno de 1980 sobre un hombre que niega su propio corazón con orquestación wagneriana se siente extrañamente actual. La próxima vez que alguien te diga que algo no significó nada, ponle "Vienna". Y observa su cara durante el solo de violín.

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