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SONGFABLE · 1982

Come On Eileen

DEXYS MIDNIGHT RUNNERS · 1982

TL;DR: Por trás do refrão grudento e dos macacões jeans, "Come On Eileen" é um hino sobre escapar do destino operário da Inglaterra pós-industrial — dois jovens católicos tentando se libertar, através do desejo, de uma vida que parecia já escrita antes de eles nascerem.
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A música mais mal compreendida dos anos 80

Pergunte a qualquer pessoa o que é "Come On Eileen" e a resposta provavelmente será: "aquela música animada de festa, com violino, que todo mundo canta junto sem saber a letra". É verdade — e é também a maior pegadinha da história do pop britânico. Porque por baixo daquele banjo saltitante e do refrão que acelera como um trem desgovernado, existe uma das letras mais melancólicas e carregadas de classe social que os anos 80 produziram.

A canção fala de dois jovens criados em uma comunidade católica irlandesa na Inglaterra, cercados pela música triste dos pais, pelas roupas surradas e pela resignação de uma geração inteira que aceitou viver pouco e sonhar menos ainda. O narrador olha para Eileen, a garota que conhece desde a infância, e faz uma proposta que é ao mesmo tempo romântica e desesperada: nós não precisamos ser como eles. Nós podemos ser algo diferente. Nem que seja só por uma noite.

É uma música sobre fuga disfarçada de música de carnaval. E talvez por isso ela funcione tão bem no Brasil — um país que entende profundamente o que é transformar dor em festa.

Kevin Rowland e a banda que se recusava a ser fácil

Para entender "Come On Eileen", é preciso entender Kevin Rowland, o líder obsessivo e genial dos Dexys Midnight Runners. Filho de imigrantes irlandeses, criado entre Wolverhampton e Birmingham, no coração industrial da Inglaterra, Rowland cresceu entre dois mundos: a Inglaterra cinzenta das fábricas e a memória musical e religiosa da Irlanda dos pais. Essa tensão — pertencer e não pertencer, querer sair e carregar as raízes — é o motor de praticamente tudo que ele escreveu.

A banda surgiu em 1978, em plena ressaca do punk, com uma proposta na contramão de tudo: enquanto o mundo descobria sintetizadores, os Dexys tocavam soul com naipe de metais, inspirados em Stax e na música negra americana dos anos 60. O nome vem da dexedrina, anfetamina que os dançarinos da cena Northern Soul reportedly usavam para dançar a noite inteira. O primeiro álbum, "Searching for the Young Soul Rebels" (1980), rendeu um número 1 no Reino Unido com "Geno", mas Rowland era famoso por implodir a própria banda: trocava integrantes, proibia entrevistas (preferia comprar páginas de anúncio nos jornais para se comunicar com os fãs) e mudava radicalmente de visual e som a cada fase.

Em 1982, para o álbum "Too-Rye-Ay", veio a reinvenção mais ousada: Rowland fundiu o soul de metais com violinos e instrumentação folk celta — abraçando de vez a herança irlandesa — e vestiu a banda inteira com macacões jeans, lenços e visual de retirante, algo entre o cigano e o trabalhador rural. A crítica torceu o nariz. O público mundial se rendeu. "Come On Eileen", composta por Rowland com Jim Paterson e Billy Adams, foi direto ao número 1 no Reino Unido e, no ano seguinte, ao topo da Billboard Hot 100 nos Estados Unidos — onde, curiosamente, desbancou "Billie Jean" de Michael Jackson, num dos sanduíches de número 1 mais improváveis da história.

Para o leitor brasileiro, há aqui um eco familiar: a história dos Dexys é a história de filhos de imigrantes usando a música dos pais para inventar algo novo — exatamente o movimento que o Brasil conhece do samba ao manguebeat. Quando Chico Science misturou maracatu com rock e hip-hop nos anos 90, ele fazia, em essência, o que Rowland fez em 82: pegar a tradição "dos velhos" e transformá-la em rebelião dançante. E não custa lembrar que os anos 80 brasileiros consumiram essa música avidamente: ela tocava nas rádios FM, nas festas e mais tarde se eternizou em trilhas de novela e sessões nostálgicas — muito brasileiro conhece a melodia de cor sem nunca ter sabido o nome da banda.

O que a letra realmente diz

A canção abre com uma cena de memória coletiva: a lembrança de um cantor irlandês cuja voz embalava — e entristecia — a geração das mães e dos pais. A referência é a Johnny Ray, ídolo melodramático dos anos 50, símbolo da música que a comunidade dos pais ouvia. Desde o primeiro verso, portanto, a música estabelece seu verdadeiro tema: herança. O que recebemos dos nossos pais sem pedir, e o que fazemos com isso.

O narrador então se dirige a Eileen, uma garota que ele conhece desde sempre — crescidos juntos, na mesma rua, na mesma paróquia, reportedly inspirada em uma pessoa real da adolescência de Rowland, embora ele tenha dado versões diferentes ao longo dos anos. E o que ele propõe a ela funciona em duas camadas que a música nunca separa por completo.

A primeira camada é carnal e direta: ele a deseja, naquela noite, naquele vestido, e diz isso com uma franqueza que fez a música ser lida por muitos como apenas uma cantada elaborada. Mas a segunda camada é a que dá peso a tudo: o narrador olha em volta e descreve os adultos da sua comunidade como pessoas derrotadas, que cantam a própria resignação, que vestem a própria pobreza como uniforme. E então vem a frase-chave da canção, parafraseada: nós somos jovens demais e espertos demais para aceitar esse roteiro. A promessa que ele faz a Eileen não é só de uma noite juntos — é de não se tornarem seus próprios pais.

Há ainda um detalhe brilhante na construção: o desejo e a culpa católica andam juntos o tempo todo. O narrador admite que, perto dela, seus pensamentos beiram o "indecente" — e numa comunidade católica irlandesa dos anos 60 e 70, essa palavra carrega o peso do pecado, da confissão, da vergonha. A música transforma essa tensão em energia: o famoso trecho central, em que o andamento desacelera quase até parar e depois acelera num crescendo coletivo, é a tradução sonora exata do desejo reprimido explodindo. Não é coincidência que esse seja o momento que toda pista de dança do planeta espera.

E o refrão de sílabas cantaroladas, aquele "too-ra-loo-ra" que dá nome ao álbum? Vem diretamente das canções de ninar irlandesas — o mesmo som que as mães da comunidade cantavam para os filhos. Rowland pega o som da infância, da tradição, da casa, e o transforma em grito de festa. A fuga e a raiz na mesma sílaba. Poucas músicas pop fizeram algo tão sofisticado parecendo tão simples.

Do topo das paradas ao limbo — e de volta ao panteão

O sucesso de "Come On Eileen" foi colossal: foi o single mais vendido de 1982 no Reino Unido, ganhou o BRIT Award de melhor single britânico e levou uma banda de Birmingham vestida de retirante ao topo da parada americana em plena era MTV — com um clipe de baixo orçamento filmado em uma rua comum de Londres, sem nenhum glamour, o oposto estético de Duran Duran e companhia.

E então veio a maldição do hit perfeito. A música era tão grande que engoliu a banda. Nos Estados Unidos, os Dexys ficaram marcados como "one-hit wonder", rótulo injusto para um grupo que no Reino Unido teve dois números 1 e três álbuns cultuados. Rowland, fiel ao próprio personagem, respondeu ao maior sucesso da sua vida da forma mais Rowland possível: mudou tudo de novo. O álbum seguinte, "Don't Stand Me Down" (1985), trocou os macacões por ternos de executivo e as músicas de três minutos por faixas longas e falladas — sem singles, sem promoção. É hoje considerado uma obra-prima incompreendida; na época, foi um fracasso comercial que praticamente encerrou a banda. Rowland passou as décadas seguintes entre crises pessoais, problemas com drogas, retornos artísticos ousados e uma lenta reabilitação crítica, até ressurgir com os Dexys reformados nos anos 2010.

Enquanto isso, "Come On Eileen" seguia vida própria. Virou presença obrigatória em festas de casamento no mundo anglófono, foi regravada pelos californianos do Save Ferris em versão ska nos anos 90, apareceu em "Os Simpsons", "The Office", "Perks of Being a Wallflower" e incontáveis trilhas, e se consolidou como uma das músicas mais reconhecíveis do século XX. No Brasil, ela habita aquele território curioso das canções que todo mundo de uma certa geração sabe cantarolar — frequentemente achando, é dito por aí, que se trata de uma música irlandesa tradicional ou até confundindo a banda com outras da época. A fusão de folk com pop dançante também antecipou caminhos que bandas como The Pogues, Mumford & Sons e até o folk-pop dos festivais atuais percorreriam depois.

Por que ela ainda arrepia

Quarenta e poucos anos depois, "Come On Eileen" continua fazendo algo que pouquíssimas músicas conseguem: ela funciona para quem não pensa e para quem pensa. Quem não pensa ganha três minutos e meio de euforia pura, com uma das construções rítmicas mais inteligentes do pop — aquela desaceleração central é praticamente uma aula de como manipular uma multidão. Quem pensa encontra uma das letras mais honestas já escritas sobre ser jovem, pobre e ambicioso.

Porque o dilema de Eileen e do narrador é universal e permanente: em algum momento, todo mundo olha para a vida dos próprios pais e sente, ao mesmo tempo, amor e pavor. Amor pelo que eles nos deram; pavor de repetir o que eles aceitaram. A música captura o exato instante em que a juventude decide — ou pelo menos jura decidir — que vai ser diferente. E o fato de a canção nunca contar se eles conseguiram é parte da sua força. Talvez Eileen e o narrador tenham fugido daquela rua. Talvez tenham ficado e se tornado seus pais, cantando suas próprias músicas tristes para os filhos. A festa do refrão soa, ouvida com atenção, quase desesperada — e é essa fresta de dúvida que separa um hit descartável de um clássico.

Para o ouvinte brasileiro, há ainda uma ressonância extra: essa é, no fundo, uma música sobre mobilidade social cantada de dentro, sem condescendência, por quem viveu aquilo. É o mesmo lugar de fala de tanto samba, tanto brega e tanto funk que transformam a dureza da vida em batida dançante. "Come On Eileen" prova que esse gesto — rir e dançar para não chorar — não tem nacionalidade. Em 1982, em Birmingham, ele vestia macacão jeans e tocava violino.

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80s
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