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SONGFABLE · 2016

Starboy

THE WEEKND FT. DAFT PUNK · 2016 · TORONTO, CANADA

Starboy - The Weeknd ft. Daft Punk (2016)

TL;DR

"Starboy" es la canción con la que Abel Tesfaye, el chico etíope-canadiense criado en los suburbios de Scarborough, decidió matar simbólicamente a su propio personaje. Producida junto a Daft Punk, la pista combina la melancolía sintética del R&B alternativo con la precisión robótica del house francés para narrar una incómoda verdad: cuando alcanzas el estrellato que perseguías, descubres que el monstruo que se vuelve famoso no eres exactamente tú. Lanzada en septiembre de 2016 desde Toronto, se convirtió en un himno generacional sobre el lujo desencantado, el éxito como prisión y la fama como espejo deformante.

El gancho: una corona que pesa

Hay un momento en la carrera de todo artista pop en el que la euforia del ascenso choca contra el muro del propio reflejo. Para The Weeknd, ese momento tomó forma de canción en el otoño de 2016. Si Maná, en sus mejores baladas de los años noventa, exploraba el desamor como una cicatriz romántica, y Soda Stereo convertía la angustia urbana en arquitectura sonora, "Starboy" hace algo distinto: convierte el éxito mismo en herida. La narrativa es la del hombre que llegó a la cima y se sorprende de no haberse vuelto más feliz; al contrario, se ha vuelto otro. Y ese otro, vestido de Versace y conduciendo coches imposibles, le da cierto asco.

El video musical, dirigido por Grant Singer, abre con Abel asfixiando con una bolsa de plástico a su versión anterior, la del peinado salvaje que el mundo conoció en Trilogy. Es uno de los gestos visuales más explícitos del pop de la década: una autoinmolación televisada. La canción, en ese marco, no es una celebración del estrellato sino su autopsia anticipada.

Antecedentes: del XO underground al estadio global

Para entender por qué "Starboy" existe, hay que rebobinar a los suburbios multiétnicos del este de Toronto. Abel Tesfaye nació en 1990 de padres etíopes que emigraron a Canadá huyendo del régimen del Derg. Creció hablando amárico en casa, escuchando música etíope tradicional y, al salir a la calle de Scarborough, sumergiéndose en el R&B noventero de Aaliyah, R. Kelly y Michael Jackson, además del rock alternativo de los Cocteau Twins y Bad Brains.

Entre 2010 y 2011, sin foto, sin entrevistas y sin nombre real, subió a YouTube tres mixtapes que la prensa especializada describió como una bofetada al R&B convencional: House of Balloons, Thursday y Echoes of Silence. Era música de noches turbias, sintetizadores helados y narradores moralmente sucios. Drake, su paisano, lo amplificó desde su sello OVO. La crítica habló de "PBR&B" o "alt-R&B" y reconoció en él una voz nueva que reformulaba el género desde el insomnio y la ambigüedad.

El salto al mainstream llegó con Beauty Behind the Madness (2015) y los megaéxitos "Can't Feel My Face" y "The Hills". De pronto, el fantasma del XO Crew estaba en la radio de Walmart. Y ahí se abrió la grieta: ¿cómo se mantiene la mística del antihéroe nocturno cuando ya eres producto de consumo masivo?

La respuesta llegó por la vía menos predecible: una colaboración con Daft Punk. Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, los dos parisinos que llevaban dos décadas escondidos tras cascos robóticos, se habían vuelto una rareza absoluta en la industria. Tras Random Access Memories (2013), prácticamente no aparecían en proyectos ajenos. Que aceptaran no una sino dos canciones del nuevo disco del canadiense —"Starboy" e "I Feel It Coming"— fue tratado como un acontecimiento.

La grabación principal tuvo lugar en estudios entre Los Ángeles y Toronto a lo largo de 2016. Daft Punk aportó la columna vertebral electrónica: un bajo sintetizado punzante, una batería seca y minimalista, y ese aire de pista vacía a las cuatro de la mañana que caracterizaba su trabajo más oscuro, más cerca de Human After All que de Discovery. Sobre esa base, The Weeknd añadió la melodía vocal, el contraste entre el falsete melancólico y los versos de fanfarroneo material.

El sencillo se publicó el 22 de septiembre de 2016. En menos de una semana llegó al número uno del Billboard Hot 100 estadounidense, posición que también alcanzó en Canadá, Reino Unido, Francia, Australia y una larga lista de mercados. El álbum del mismo nombre apareció en noviembre y debutó número uno en más de ochenta países.

El verdadero significado: matar al personaje para sobrevivir

La lectura superficial de "Starboy" es la de un trap-pop de ostentación: un narrador que enumera autos deportivos, propiedades, drogas y mujeres como trofeos. Pero esa lectura ignora la ironía estructural del tema. El propio Abel ha explicado en entrevistas que el "starboy" del título no es él, sino el monstruo que la fama ha creado: una versión hinchada, vacía y un poco patética del joven de Scarborough que solo quería hacer música.

El término "starboy" tiene además resonancias culturales específicas. En la jerga del oeste africano, especialmente entre la comunidad nigeriana, "starboy" es un apodo de admiración que el cantante Wizkid popularizó como nombre de su sello. Abel ha reconocido haber tomado el término de ahí, como guiño a la diáspora africana global. Pero le da un giro amargo: ser un "starboy" es haber sido coronado por una multitud que en realidad no te conoce.

El video lo deja explícito. Tras asfixiar a su yo anterior, el nuevo Abel —cabello corto, traje oscuro, mirada glacial— recorre una mansión moderna destruyendo con una cruz luminosa los símbolos de su pasado: los discos de platino, los premios, las imágenes promocionales. Es una iconoclasia personal. La cruz, además, juega con la iconografía religiosa de un artista que ha hablado abiertamente de su crianza en una familia ortodoxa etíope cristiana y de su distancia adulta de la institución.

Hay una segunda capa, todavía más interesante, que tiene que ver con la coautoría con Daft Punk. El dúo francés llevaba veinte años explorando la tensión entre humano y máquina: ¿qué queda del artista cuando se esconde detrás de un casco? ¿La fama te robotiza? "Starboy" hereda esa pregunta y la responde con una imagen incómoda: sí, te robotiza, y además te gusta. El narrador no se arrepiente; se mira al espejo con una mezcla de orgullo y repulsión.

Musicalmente, la pista hace algo sutil. El ritmo es deliberadamente lento, casi catatónico, en un mundo pop que en 2016 estaba dominado por tempos más enérgicos. Los sintetizadores marcan una progresión melódica que apenas se mueve, generando una sensación de inmovilidad lujosa, como si el narrador estuviera atrapado en su propia mansión. La voz de Abel oscila entre un susurro confesional y un grito controlado en el estribillo, sin nunca soltarse del todo. Esa contención es el verdadero mensaje: la fama te obliga a hablar bajito incluso cuando quieres gritar.

Contexto cultural para el lector hispanohablante

Para un público formado por décadas de rock en español y baladas latinoamericanas, "Starboy" puede sonar inicialmente como un objeto frío y distante. No hay arpegios de guitarra que recuerden a Soda Stereo, no hay confesionalismo desgarrado al estilo Maná, no hay el barroquismo emocional de un Juanes o un Alejandro Sanz. Sin embargo, hay un puente cultural más profundo del que parece.

Los grandes momentos del rock iberoamericano siempre han trabajado el tema del éxito y su precio. Pensemos en Canción Animal de Soda Stereo, donde Cerati negociaba con la fama desde una ironía vanguardista, o en los discos más oscuros de Caifanes, donde Saúl Hernández exploraba la disolución del yo bajo la luz del escenario. "Starboy" pertenece a esa misma genealogía emocional: el artista que llega al Auditorio Nacional, mira al público y se pregunta para quién está cantando realmente.

Hay otro paralelismo. La música latinoamericana de los noventa y dos miles vivió su propio momento de "matar al personaje anterior" cuando bandas como Café Tacvba o Aterciopelados abandonaron sus identidades iniciales para reinventarse. Andrea Echeverri cortándose el pelo, Rubén Albarrán cambiando de nombre en cada disco, Gustavo Cerati lanzándose al solista experimental tras Soda. Todos esos gestos comparten ADN con la asfixia simbólica que The Weeknd se aplica en el video de "Starboy". Es la misma pregunta: ¿cómo sigues siendo artista cuando ya eres marca?

Además, la diáspora etíope-canadiense de Abel tiene resonancias con la experiencia de muchos artistas latinos de segunda generación en Estados Unidos. La sensación de estar entre dos códigos, de cargar una herencia cultural mientras se construye una identidad nueva, es un terreno común. Cuando The Weeknd canta —en términos figurados— sobre la incomodidad de pertenecer al lujo norteamericano, hay un eco involuntario con la pregunta que se hacen muchos hijos de migrantes: ¿cuánto de mí queda cuando todo lo que tengo viene de un mundo que no es el de mis padres?

Por qué resuena hoy

Casi una década después de su lanzamiento, "Starboy" se ha vuelto un texto profético. La obsesión global por la fama, exacerbada por TikTok, Instagram y la economía del creador, ha multiplicado el número de personas que viven el dilema del narrador. Hoy no hace falta vender millones de discos para experimentar la disonancia entre el yo real y el yo público: basta con tener veinte mil seguidores y empezar a notar que las decisiones sobre la propia vida ya no son del todo libres.

La canción también anticipó la estética dominante de finales de la década de 2010 y principios de los años veinte: el lujo melancólico, el R&B de medianoche, el pop como confesión cínica. Artistas como Bad Bunny en sus momentos más introspectivos, Rosalía en Motomami, o el propio Drake en su fase más reflexiva, han trabajado terrenos colindantes. La idea de que el éxito no redime, de que el dinero acumula más preguntas que respuestas, se ha vuelto el subtexto del pop global.

Y luego está la muerte de Daft Punk, anunciada en febrero de 2021 a través de un video titulado Epilogue. Tras esa despedida, "Starboy" se convirtió retroactivamente en una de las últimas grandes obras del dúo francés, una especie de testamento bailable sobre la fama como deshumanización. Que su contribución final relevante haya sido una canción sobre matar al propio personaje tiene una simetría casi novelesca.

Para una generación hispanohablante que creció con auriculares puestos durante los confinamientos, escuchando R&B alternativo mientras hacía scroll infinito, "Starboy" funciona como espejo de algo más amplio: la sospecha de que el éxito que persiguen quizás no sea exactamente lo que imaginan, y de que la versión de sí mismos que están construyendo en línea quizás necesite, en algún momento, ser asfixiada con una bolsa de plástico para que pueda nacer otra.

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