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SONGFABLE · 1967

Respect

ARETHA FRANKLIN · 1967

TL;DR: En 1967, Aretha Franklin tomó una canción que Otis Redding había escrito dos años antes como un ruego masculino —denme algo de consideración cuando llegue a casa— y la dio vuelta como un guante. Cambió el género, añadió un deletreo inolvidable, inventó un puente con sus hermanas Erma y Carolyn, y de pronto la palabra "respeto" dejó de pertenecer a un hombre cansado para convertirse en bandera del movimiento feminista y de los derechos civiles. La canción ganó dos Grammys, llegó al número uno en Billboard, y todavía hoy, casi seis décadas después, sigue siendo una de las grabaciones más importantes del siglo XX.

El día que una canción cambió de dueño

Hay grabaciones que existen, y hay grabaciones que se apropian de algo y nunca lo devuelven. La versión que Aretha Franklin registró el 14 de febrero de 1967 en los estudios Atlantic de Nueva York pertenece a la segunda categoría. Otis Redding, que había escrito y grabado la canción original en 1965 para el sello Volt, dijo poco después de escuchar la versión de Aretha que esa muchacha le había robado la canción. Lo dijo entre risas, con la generosidad propia de los músicos que reconocen la verdad cuando la oyen, pero también con cierta resignación: sabía que la canción ya no era suya. Nunca lo sería de nuevo.

Aretha tenía 24 años cuando entró al estudio. Venía de seis años frustrantes en Columbia Records, donde el productor John Hammond había intentado convertirla en una estilista de jazz refinada, una sucesora de Dinah Washington, una intérprete de standards para el público adulto blanco. Sus discos vendían poco. La crítica los respetaba sin entusiasmo. Aretha cantaba bien, claro, pero algo esencial estaba domesticado, contenido, fuera de foco. Cuando su contrato expiró en 1966, Jerry Wexler la fichó para Atlantic con una idea simple: dejarla volver a casa.

Casa, en este caso, era el gospel. Aretha había crecido cantando en la iglesia bautista New Bethel de Detroit, donde su padre, el reverendo C. L. Franklin, era una celebridad religiosa cuyos sermones se editaban en discos. Mahalia Jackson y Sam Cooke pasaban por casa. James Cleveland le enseñó armonías en el piano. Cuando Wexler la llevó a los estudios FAME de Muscle Shoals, Alabama, en enero de 1967, para grabar "I Never Loved a Man (The Way I Love You)", no estaba inventando una cantante: estaba descubriendo una que ya existía y nadie había sabido escuchar.

Lo que decía Otis, lo que hizo Aretha

La versión original de Otis Redding es una pieza estupenda en su propio terreno: un hombre que trabaja todo el día regresa a casa y le pide a su mujer un poco de respeto, ofreciéndole a cambio dinero, fidelidad, lo que ella quiera, siempre que respete que él es el sostén. Es una canción de los años 60 sobre los términos del contrato doméstico, contada desde el lado masculino. Tiene fuerza, tiene ritmo, tiene la firma vocal de Otis. Pero la transacción que describe es convencional.

Aretha hizo varias cosas que parecen pequeñas y son enormes. Primero, invirtió el género: ahora es la mujer quien exige. Segundo, añadió ese deletreo en el estribillo que su hermana Carolyn ideó durante un ensayo en el apartamento que compartían. Tercero, sumó una respuesta vocal —ese pequeño grito que sigue al deletreo— cuya energía es difícil de describir sin recurrir al cliché. Cuarto, agregó una frase nueva sobre dar lo que él quiere cuando regresa a casa, una frase que en boca de una mujer joven negra en 1967 sonaba menos a sumisión y más a desafío sexual y económico al mismo tiempo. Quinto, y quizá lo más importante: cambió completamente el groove. La sección rítmica de Muscle Shoals —Roger Hawkins en la batería, Tommy Cogbill en el bajo— y los vientos de King Curtis le dieron a la canción una urgencia que la versión de Stax no tenía. Otis pedía. Aretha exigía.

El resultado se grabó en una sola tarde. Wexler contó muchas veces después que cuando Aretha se sentó al piano y empezó a tocar el arreglo que había trabajado en casa con sus hermanas, los músicos supieron en segundos que estaban frente a algo monumental. La canción salió a la venta en abril de 1967 y llegó al número uno del Billboard Hot 100 en junio. Permaneció doce semanas en lo alto de la lista de R&B. Ganó los Grammys a Mejor Interpretación Vocal de R&B Femenina y a Mejor Grabación de R&B. Aretha tenía, de pronto, la canción de su vida y la canción de una década entera.

Lo que la canción significaba en realidad

Aquí conviene matizar la mitología. Aretha nunca dijo que estuviera escribiendo un himno feminista o un manifiesto político. En sus entrevistas insistió siempre en que la canción hablaba de algo doméstico y universal: el respeto que cualquier persona necesita en su casa, en su matrimonio, en su trabajo. Su propio matrimonio con Ted White, que la representaba en esos años, era notoriamente difícil; había violencia, había control, había noches malas. La canción se grabó en ese contexto íntimo.

Pero las canciones, una vez que salen al mundo, ya no pertenecen a sus autores ni a sus intérpretes. Pertenecen a quienes las necesitan. En 1967, Estados Unidos vivía el verano de los disturbios de Detroit y Newark, el movimiento por los derechos civiles entraba en una fase más radical tras los asesinatos que vendrían, y el feminismo de la segunda ola estaba empezando a articular un vocabulario nuevo. La voz de una mujer negra exigiendo respeto, deletreando la palabra como si nadie la hubiera escuchado nunca, sonaba a otra cosa. Sonaba a una declaración pública. Martin Luther King Jr., que la conocía desde niña, le pidió que cantara en Memphis poco antes de su asesinato. Cuando lo mataron, en abril de 1968, Aretha cantó en su funeral.

La crítica musicóloga Daphne Brooks ha escrito que lo que Aretha hizo con la canción fue básicamente apropiarse del discurso masculino sobre el contrato matrimonial y revelar lo que ese discurso ocultaba: que el respeto no es algo que se negocia con dinero, sino algo que se exige como condición previa de cualquier relación. La interpretación de Aretha convirtió una canción soul de mediados de los 60 en un texto fundacional del pensamiento feminista negro, aunque su autora insistiera modestamente en que sólo había cantado lo que sentía.

Resonancias para el lector hispanohablante

Para quien escucha desde Ciudad de México, Buenos Aires, Madrid o Bogotá, hay un puente que conviene tender. La tradición del soul estadounidense no tiene un equivalente exacto en el cancionero en español, pero la idea de una voz femenina que toma una canción escrita por un hombre y la convierte en otra cosa tiene precedentes potentes. Pensemos en lo que Chavela Vargas hizo con las rancheras de José Alfredo Jiménez: cantar en primera persona masculina, dirigirse a una mujer en una canción de amor, y al hacerlo desestabilizar todo el género ranchero desde dentro. Pensemos en lo que Mercedes Sosa hizo con repertorio escrito por hombres a lo largo de cinco décadas: convertir esas letras en algo más amplio que su sentido original, en una especie de declaración colectiva sobre América Latina.

En México, "Respect" suena en cualquier playlist de oldies que se reproduce en un bar de la colonia Roma o en una boda en Polanco. La generación que descubrió a Aretha a través de la banda sonora de The Blues Brothers o de las giras de El Tri y la fiebre del rock urbano de los 80 la asocia con algo cosmopolita y a la vez familiar. Cuando Café Tacvba o Maná hablan de sus influencias, el soul de Atlantic Records aparece como uno de esos materiales subterráneos que alimentaron el rock en español aun cuando no se cite explícitamente. Soda Stereo nunca grabó nada parecido a "Respect", pero la idea de tomar formas anglosajonas y rehacerlas con voz propia —el gesto fundacional de Cerati— tiene un parentesco filosófico con lo que Aretha hizo con Otis.

En España, Heroes del Silencio y la generación que llenó los pabellones de Zaragoza y Madrid en los 90 creció escuchando a Aretha en la radio nocturna, en los programas de Diego A. Manrique y de Carlos Tena. Para el público que hoy llena el Auditorio Nacional en Ciudad de México cuando vienen las giras de tributos al soul, o que peregrina a Luna Park en Buenos Aires cuando llega alguna leyenda de Stax o Atlantic, "Respect" funciona como una contraseña intergeneracional. Las abuelas la bailaron en su juventud. Las nietas la descubren en TikTok. Entre medias está todo el siglo XX afroamericano y, por extensión, una parte importante de cómo aprendimos a escuchar música popular en el mundo hispanohablante.

Por qué sigue resonando hoy

Si la canción no fuera más que un documento histórico, ya estaría en los museos. Pero "Respect" sigue sonando en marchas feministas del 8 de marzo en Madrid, en protestas por femicidios en Argentina, en mítines políticos en Estados Unidos y en spots de campañas globales contra la violencia de género. Hay algo en la combinación de su brevedad —dura apenas dos minutos y medio—, su construcción rítmica, su deletreo memorístico y su ferocidad vocal que se resiste a envejecer.

La era del streaming ha reorganizado nuestra forma de consumir música hasta volver casi imposible que una canción nueva acumule la masa cultural que acumuló "Respect" en sus primeros años. Pero precisamente por eso las grabaciones fundacionales del siglo XX se han convertido en una especie de patrimonio común al que volvemos cuando necesitamos referencias compartidas. Cuando Beyoncé canta en los Grammys, cuando Jennifer Hudson protagoniza la película biográfica Respect en 2021, cuando una adolescente en Guadalajara descubre a Aretha por un sample en una canción de hip hop, lo que se transmite no es sólo una melodía: es la idea de que una mujer joven negra en 1967 deletreó una palabra y la palabra cambió de significado para siempre.

Hay un dato adicional que conviene mencionar. La Library of Congress incorporó "Respect" al National Recording Registry en 2002 como un documento sonoro de valor histórico permanente. La revista Rolling Stone la colocó en el primer puesto de su lista actualizada de las 500 mejores canciones de todos los tiempos en 2021. Aretha murió en agosto de 2018, y en el funeral, que duró ocho horas y se transmitió en vivo, todo el mundo estaba esperando ese deletreo. No tuvo que sonar: ya estaba sonando en la memoria de quienes la velaban.

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