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SONGFABLE · 1976

(Don't Fear) The Reaper

BLUE ÖYSTER CULT · 1976

TL;DR: Aunque generaciones enteras la han escuchado como un himno oscuro al suicidio, "(Don't Fear) The Reaper" nació de algo mucho más íntimo: un guitarrista convencido de que iba a morir joven, escribiendo una carta de amor que pretendía durar más allá de la muerte. Es, en el fondo, una canción sobre el amor eterno disfrazada de balada gótica.
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El malentendido más hermoso del rock

Hay canciones que viven dos vidas: la que su autor imaginó y la que el público decidió darles. Pocas lo ilustran mejor que "(Don't Fear) The Reaper". Para millones de oyentes, es la banda sonora del miedo: la Parca tocando a la puerta, las películas de terror, el Halloween eterno del rock clásico. Para Donald Roeser —conocido en el escenario como Buck Dharma, guitarrista de Blue Öyster Cult— era exactamente lo contrario: una meditación serena sobre el amor que sobrevive a la muerte.

Y aquí está el giro que sorprende a casi todo el mundo: Roeser escribió la canción porque, según ha contado en entrevistas, estaba convencido de que moriría joven. Tenía un soplo cardíaco y, a sus veintitantos años, la idea de la mortalidad lo rondaba como una sombra constante. En lugar de huir de ese pensamiento, decidió mirarlo de frente. Se preguntó: si la muerte llega temprano, ¿se acaba el amor? Su respuesta —no, el amor verdadero trasciende— se convirtió en una de las canciones más malinterpretadas y, al mismo tiempo, más queridas de la historia del rock.

Para un público mexicano y latinoamericano, esta paradoja resulta extrañamente familiar. Mientras la cultura anglosajona escuchó la canción y vio horror, nosotros podemos escucharla y reconocer algo que llevamos en la sangre: la idea de que la muerte no es el final de la relación con quienes amamos. Esa intuición que cada noviembre llena los panteones de cempasúchil y veladoras es, en esencia, la tesis de Buck Dharma. Él no lo sabía, pero estaba escribiendo una canción profundamente cercana al Día de Muertos.

De Long Island al mito: la banda que jugaba con lo oscuro

Blue Öyster Cult nunca fue una banda convencional. Surgida a finales de los sesenta en Long island, Nueva York, bajo el ala de los críticos musicales Sandy Pearlman y Richard Meltzer, la agrupación se construyó deliberadamente como un enigma: el nombre críptico con su diéresis sobre la Ö (un detalle que, dicho sea de paso, inauguró la moda del "metal umlaut" que luego copiarían Motörhead y Mötley Crüe), el logotipo del gancho y la cruz inspirado en el símbolo alquímico del plomo, las letras llenas de ciencia ficción, ocultismo y humor negro. Pearlman los imaginaba como "el Black Sabbath pensante": una banda pesada pero cerebral, oscura pero irónica.

Para 1975, sin embargo, BÖC era una banda de culto en el sentido menos rentable de la palabra: respetada por la crítica, adorada en vivo, pero sin un éxito masivo. Eso cambió cuando Buck Dharma, en su casa, con una caja de ritmos y una grabadora de cuatro pistas, dio con un arpegio de guitarra hipnótico —ese ciclo descendente que cualquiera reconoce a los dos segundos— y empezó a cantarle encima con una voz suave, casi susurrada, completamente atípica para una banda de hard rock.

La canción se grabó para el álbum Agents of Fortune (1976), producido por Pearlman, Murray Krugman y David Lucas. Y aquí entra uno de los detalles más legendarios de la historia: el cencerro. Sí, ese cencerro insistente que late durante toda la canción y que décadas después se volvería inmortal gracias a un sketch de Saturday Night Live con Christopher Walken y Will Ferrell exigiendo "more cowbell" (más cencerro). Quién lo tocó exactamente sigue siendo motivo de versiones contradictorias —se ha atribuido al productor David Lucas, al baterista Albert Bouchard e incluso al guitarrista Eric Bloom—, pero el efecto es indiscutible: ese pulso metálico, casi ritual, le da a la canción su cualidad de trance, de procesión.

Lanzada como sencillo en el verano de 1976, "(Don't Fear) The Reaper" trepó hasta el puesto 12 del Billboard Hot 100 y la revista Rolling Stone la nombró, según se cuenta, la mejor canción de rock de ese año. La banda de culto, irónicamente, había conquistado al gran público con su canción más mortuoria.

Lo que la canción dice de verdad

Vamos al corazón del asunto, porque las letras de esta canción han sido leídas de cabeza durante medio siglo.

La voz narrativa abre con una observación casi naturalista: todas las cosas de este mundo tienen su tiempo y su final, y los elementos —el sol, el viento, la lluvia— no le temen a ese ciclo. La invitación que sigue no es a morir, sino a no vivir paralizado por el miedo a la muerte. El narrador se presenta como alguien que ofrece la mano, que propone ver la mortalidad no como un verdugo sino como parte del orden natural, y sugiere que quienes se aman de verdad pueden pensarse juntos más allá de esa frontera.

La segunda parte introduce la imagen que causó todo el escándalo: la mención de Romeo y Julieta, los amantes de Verona que hoy están juntos en la eternidad. Buck Dharma los usó como símbolo del amor que trasciende la muerte; buena parte del público los leyó como una apología del pacto suicida. El propio Roeser ha lamentado durante décadas esa interpretación, insistiendo en que jamás quiso promover nada parecido: su punto era que el amor de los amantes perdura, no que su método fuera recomendable. De hecho, ha explicado que la cifra de "cuarenta mil" que aparece en la letra no se refiere a personas que mueren cada día (aunque curiosamente se acerca a la estadística real), sino que simplemente le sonaba bien al cantarla: poesía antes que demografía.

El tercer acto es el más cinematográfico y el más malentendido de todos. Describe a una mujer en una noche de junio, una vela que se apaga, cortinas que vuelan, una aparición. Leído con prisa, parece la escena de una muerte —quizá autoinfligida—. Leído como su autor lo concibió, es casi lo contrario: una visitación. El ser amado que ya cruzó al otro lado regresa por ella, no como rapto trágico sino como reencuentro. La mujer no salta al vacío: toma una mano que conoce. Es una escena de fantasmas, sí, pero de fantasmas amorosos, más cerca de Pedro Páramo de Juan Rulfo —donde los muertos y los vivos conviven y conversan— que de cualquier película de terror.

Y ese es precisamente el punto donde la canción se vuelve, sin proponérselo, profundamente latinoamericana. La idea de que los muertos no se van del todo, de que el amor mantiene abierto un canal entre los dos mundos, de que la muerte puede mirarse de frente e incluso con ternura: todo eso que en Estados Unidos sonó transgresor y macabro en 1976, en México es cultura milenaria. José Guadalupe Posada dibujaba calaveras elegantes y sonrientes décadas antes; Octavio Paz escribió en El laberinto de la soledad que el mexicano frecuenta la muerte, la burla y la acaricia. Buck Dharma, un muchacho de Long Island con un soplo en el corazón, llegó por su propia ruta a una conclusión que aquí se celebra con pan de muerto.

El cencerro, las películas y la inmortalidad pop

El legado de "(Don't Fear) The Reaper" tiene varias capas, y cada una merece su propio relato.

La primera es cinematográfica. Stephen King quedó tan marcado por la canción que la citó en su novela apocalíptica The Stand (Apocalipsis, 1978), y la miniserie televisiva basada en el libro la usó como tema de apertura: el mundo muriendo por una plaga mientras suena ese arpegio sereno. John Carpenter la incluyó en Halloween (1978), sonando en el coche de Laurie Strode y su amiga, sellando para siempre la asociación de la canción con el cine de terror. Desde entonces ha aparecido en decenas de películas y series —de Scream a Los Simpson, de Supernatural a The Frighteners—, casi siempre como atajo sonoro para decir "la muerte anda cerca".

La segunda capa es cómica, y es quizá la más improbable. En el año 2000, Saturday Night Live emitió un sketch donde Christopher Walken interpretaba a un productor ficticio llamado Bruce Dickinson que, durante la grabación de la canción, exige una y otra vez "más cencerro", mientras Will Ferrell golpea el suyo con un desenfreno glorioso. El sketch se volvió uno de los más famosos de la historia del programa y convirtió la frase "more cowbell" en lenguaje universal del pop. Los miembros de BÖC han confesado sentimientos encontrados: el sketch eclipsó parcialmente a la banda, pero también presentó la canción a generaciones nuevas que jamás habrían escuchado Agents of Fortune.

La tercera capa es musical. Ese arpegio de Buck Dharma se volvió molde: se le ha señalado como influencia directa en "Marquee Moon" de Television y, sobre todo, los propios autores de "The Killing Moon" de Echo & the Bunnymen han reconocido que su clásico nació de tocar los acordes de The Reaper al revés. La canción también es prima espiritual del rock gótico que vendría después: sin este sencillo de 1976, el árbol genealógico de The Cure y compañía pierde una raíz.

En América Latina, la canción llegó por las rutas clásicas del rock setentero —radios especializadas, discos importados, la cultura del vinilo que floreció del Tianguis del Chopo en la Ciudad de México a las disquerías de la avenida Corrientes en Buenos Aires— y se quedó como pieza obligada del repertorio clásico. Su estética, además, dialogó sin esfuerzo con el gusto regional por lo macabro elegante: no es casualidad que tantas bandas de rock y metal latinoamericanas hayan abrazado la iconografía de la muerte con la misma mezcla de solemnidad y guiño que BÖC perfeccionó.

Por qué sigue tocándonos el hombro

Casi cincuenta años después, "(Don't Fear) The Reaper" no ha envejecido, y la razón es sencilla: el tema que aborda no caduca. Todos vamos a morir, y todos amamos a personas que van a morir. La mayoría de las canciones esquivan ese hecho; esta lo abraza con una calma casi escandalosa.

Hay algo más. Vivimos una época obsesionada con alargar la vida y esconder la muerte: hospitales lejos de casa, eufemismos, algoritmos que prometen optimizarlo todo. Frente a eso, una canción de 1976 que sugiere mirar a la Parca sin pánico suena más contracultural hoy que entonces. Y para el oyente latinoamericano, la canción funciona como un espejo curioso: nos devuelve, en clave de rock neoyorquino, una sabiduría que ya era nuestra. Escucharla un 2 de noviembre, con el altar puesto y las fotos de los abuelos iluminadas por veladoras, es comprobar que Buck Dharma y Posada, sin conocerse jamás, dibujaban la misma calavera sonriente.

También está, claro, la pura perfección formal: ese riff que se reconoce al instante, la voz susurrada que contradice todo lo que el hard rock mandaba hacer, el interludio central donde la tormenta de guitarras irrumpe como la muerte misma antes de volver a la calma, y el cencerro, ese corazón metálico que late sin descanso. Es una canción sobre la eternidad que, muy apropiadamente, parece no poder morir.

La próxima vez que suene, no escuches una amenaza. Escucha lo que su autor quiso decir desde el principio: que el amor es más terco que la muerte. En estas tierras, eso no es noticia. Es, simplemente, la verdad de cada noviembre.

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